地獄楽の作者・賀来ゆうじのイラストがすごい！独特の画風と世界観の魅力を紹介

「地獄楽って、正直“絵”が一番の武器じゃない？」──アニメを観た瞬間、そんな感想を抱いた人は少なくないはずです。

花が咲き誇る画面なのに、なぜか背筋が冷える。人体は美しいのに、死の匂いがまとわりつく。その違和感の正体こそが、作者・賀来ゆうじのイラストの力だと私は感じています。

本記事では、公式情報を事実の軸に据えつつ、ファンの声や世間の認識も丁寧に分けて拾い上げながら、「なぜ賀来ゆうじの絵はここまで刺さるのか」を構造的に解きほぐしていきます。

ただ上手い、ただ綺麗、では終わらせません。地獄楽という作品が、絵によってどこまで世界を広げているのか──その核心に、一緒に踏み込んでみましょう。

賀来ゆうじとは何者か？地獄楽を生んだ作者の経歴と立ち位置

少年ジャンプ＋で異彩を放ったデビューと連載の歩み

賀来ゆうじという名前が広く知られるようになった直接のきっかけは、やはり『地獄楽』でしょう。ただし、この作品が突然変異のように生まれたかというと、私はそうは思っていません。むしろ「ここに辿り着くための準備期間が、異様に長く、濃かった作家」──それが賀来ゆうじという印象です。

少年ジャンプ＋で『地獄楽』の連載が始まったとき、まず感じたのは「なんだこの空気の密度は」という違和感でした。ジャンプの文脈をちゃんと踏まえているのに、少年漫画特有の“軽さ”がない。ページをめくるごとに、湿度がまとわりついてくる。読者に媚びる感じもないし、説明過多でもない。その代わり、一枚の絵で理解させる覚悟みたいなものが、最初から滲んでいたんです。

事実として、『地獄楽』は少年ジャンプ＋というデジタル媒体で連載され、完結まで描き切られました。これは公式情報として押さえるべき点ですが、私が注目したいのは「なぜこの作品が紙ではなく、ジャンプ＋だったのか」という部分です。スマホで縦にスクロールしながら読む読者に対して、あの情報量の絵をぶつける胆力。普通なら“読みにくい”と判断されかねない選択を、あえてやっている。その時点で、作家としてのスタンスが透けて見えました。

連載当初、SNSやレビューでは「グロい」「怖い」「でも綺麗」という声が多く見られました。これは世間の反応として事実ですが、私自身はそれよりも「この人、連載1話目から全力で“死”を描く気だな」と感じたのを覚えています。人気が出てから方向転換する作家も多い中で、賀来ゆうじは最初からブレない。これは才能というより、腹の括り方の問題です。

そして重要なのは、『地獄楽』が長期連載でダレることなく、きちんと完結した点です。少年漫画の世界では、これは当たり前のようでいて、実はとても難しい。物語を畳むという行為は、絵が上手いだけでは絶対にできません。構造を理解し、自分の描きたい終着点を見失わない作家でなければ成立しない。その意味で、賀来ゆうじは「職人的な漫画家」というより、設計者タイプの作家だと私は考えています。

ここまで書いておいてなんですが、正直に言うと、私は連載を追いながら何度か「これ、ジャンプ＋でやって大丈夫か？」と心配にもなりました。でも、その不安こそが、この作家が“安全圏にいない”証拠なんですよね。読者を選ぶ。でも、刺さる人には深く刺さる。その覚悟が、最初から最後まで一貫していた。それが『地獄楽』という連載の歩みだったと思います。

地獄楽以前・以後の作品から見える作家性の変遷

『地獄楽』だけを見て賀来ゆうじを語るのは、正直もったいない。そう感じる理由は、彼の過去作と、その後の作品を並べて見たときに、はっきりとした“線”が浮かび上がるからです。

デビュー初期の作品では、いわゆる王道少年漫画的な要素も見られます。ただ、その中にすでに「過剰な装飾」「妙に生々しい人体」「笑えない沈黙」が紛れ込んでいる。この時点では、まだ抑え込まれている印象ですが、私はそこに地獄楽の原型を感じました。芽はもう出ていた。ただ、水と光が足りなかっただけ、という感じです。

『地獄楽』で一気に開花したのは、画力そのものというより、「何を描かないか」を選ぶセンスだと思っています。全部説明しない。キャラに喋らせすぎない。その代わり、目線や指先、影の落ち方に感情を詰め込む。この引き算の美学は、連載を重ねるごとに研ぎ澄まされていきました。

連載後の作品や短編を見ると、作風が変わったように見える人もいるかもしれません。でも私は、変わったというより「焦点距離が変わった」と感じています。『地獄楽』では世界そのものを描くために、視点を引いていた。一方で、その後の作品では、よりキャラクターの内面にカメラが寄っている。その違いが、読後感の差として現れているだけなんです。

世間では「地獄楽が一番」「いや、次の作品の方が好き」と評価が分かれることもあります。それ自体は健全な反応だと思います。ただ、作家性という観点で見ると、賀来ゆうじは一貫して“人が壊れる瞬間の美しさと醜さ”を描き続けている。その表現手段が、島だったり、妖だったり、別の舞台に置き換わっているだけです。

個人的な話をすると、私は後期の作品を読むたびに「この人、地獄楽を描き切ったことで、ようやく呼吸できるようになったんだな」と感じる瞬間があります。あの濃度の世界を完結まで描き切るのは、相当な消耗だったはずです。それでもなお描き続ける。その姿勢を見ていると、賀来ゆうじという作家は、流行を追う人ではなく、自分の中にある景色を描き切らないと気が済まない人なのだと、しみじみ思うのです。

賀来ゆうじのイラストは何がすごいのか？画風の特徴を整理する

「美」と「死」が同居する線と構図の異様な説得力

賀来ゆうじのイラストを語るとき、多くの人がまず口にするのが「綺麗なのに怖い」という感想です。これは世間の認識としてかなり共通している反応ですが、私はこの言葉、実はかなり核心を突いていると思っています。なぜなら、賀来ゆうじの絵は“美”と“死”を別々に描いていないからです。同じ線、同じ構図の中に、同時に存在させている。

線そのものをよく見ると、決して装飾的ではありません。細すぎず、太すぎず、感情を誇張するような震えもない。一見すると無機質にすら見える線です。でも、その線が集まって人体や花、風景を形作った瞬間、なぜか生々しさが立ち上がってくる。これは「上手い絵」というより、覚悟のある線だと私は感じています。ここで止める、ここから先は描かない、その判断が異様に的確なんです。

構図についても同じことが言えます。例えば、画面の中央にキャラクターを置かず、あえて少し外す。背景の植物や建造物をやたらと描き込む。普通なら“主役が埋もれる”構図なのに、賀来ゆうじの画面では逆に緊張感が生まれる。この構図、私は何度もページを止めて眺めました。「なぜここに配置した？」と考えて、ようやく気づく。この世界では、人間が主役じゃないんだ、と。

公式情報として、『地獄楽』の舞台は極楽浄土と噂される島です。花が咲き乱れ、色彩豊かなはずの場所。しかし、賀来ゆうじの絵では、その美しさが一切“救い”として機能しない。むしろ、死を際立たせる装置として存在しています。私はここに、彼の画風の核心があると思っています。美は癒やしじゃない。死を際立たせるための対比なんです。

この感覚、言葉で説明されると納得できる人も多いでしょう。でも、実際にページをめくると、理屈より先に感情が来る。「綺麗だな」と思った次の瞬間に、「あ、ここで誰か死ぬな」と直感する。私はこの感覚に何度もゾクッとさせられました。計算されているのに、計算だと気づかせない。この距離感が、とにかく上手い。

だからこそ、賀来ゆうじのイラストは“怖さ”を直接描かなくても怖い。血や断面がなくても、もう十分に不穏なんです。むしろ、描きすぎないからこそ、読者の想像が勝手に補完してしまう。この余白の使い方が、画風として唯一無二の説得力を生んでいると、私は確信しています。

人体描写・表情・アクションに宿る感情の密度

賀来ゆうじのイラストを語るうえで、人体描写を避けることはできません。筋肉のつき方、関節の角度、倒れ方。どれもが妙に現実的で、同時に少しだけ誇張されている。この“少しだけ”が重要で、リアルすぎると嫌悪感に振り切れ、誇張しすぎると漫画的になる。その境界線を、彼は異常な精度で歩いています。

特に印象的なのが、戦闘シーンにおける身体の重さです。剣を振る、跳ぶ、倒れる。どの動作にも「体重」が感じられる。私はアクションシーンを読むたびに、「これ、描く側もしんどいだろうな」と余計な心配をしてしまうほどでした。それくらい、線の一本一本に力が込められている。軽やかなアクションを描く気が、最初からないんですよね。

表情の描き方も独特です。感情を全部顔に出さない。怒りも悲しみも、どこか抑え込まれている。その結果、目元や口元にわずかな歪みが生まれる。私はこの“歪み”がとても好きで、ページを拡大して何度も見返したことがあります。「このキャラ、今どんな気持ちなんだろう」と考えさせられる余白が、意図的に残されている。

世間の感想を見ると、「表情が怖い」「感情が読めない」という声もあります。これは否定ではなく、むしろ正しい反応だと思います。賀来ゆうじは、感情を“理解させる”より、“察させる”方向を選んでいる。だから、読む側の経験や感性によって、受け取り方が変わる。私はここに、作品寿命の長さを感じています。

アクションに話を戻すと、決定的な一撃の瞬間より、その前後を丁寧に描くのも特徴です。踏み込む前の沈黙、斬った後の余韻。この“間”があるからこそ、暴力がただの派手な演出にならない。痛みが、ちゃんと痛みとして伝わってくる。正直に言うと、私は何度か目を逸らしました。それでも読み進めてしまう。その矛盾が、この絵の魔力です。

総じて言えるのは、賀来ゆうじのイラストは「感情を説明する絵」ではないということです。感情が、線や構図や間に染み込んでいる。だから、読み手が踏み込んだ分だけ、深く刺さる。ここまで来ると、もう“画力が高い”では片付けられません。これは、感情を設計する力だと、私は思っています。

なぜ地獄楽の世界観は忘れられないのか？絵が担う物語構造

極楽の皮を被った地獄──舞台設定を視覚で成立させる力

『地獄楽』の世界観を一言で言うなら、「視覚が先に嘘をつき、物語が後から真実を暴く構造」だと私は感じています。極楽浄土と噂される島。花が咲き、色彩が豊かで、生命力に満ちている――設定だけを聞けば、救いの場所のはずなんです。でも、賀来ゆうじのイラストは、最初の一枚から「ここは安全じゃない」と静かに告げてくる。

公式情報として、この島は“不老不死の仙薬”が存在するとされる場所です。つまり、人間の欲望が最初から集約された舞台。その欲望を、セリフではなく背景で語ってくるのが、賀来ゆうじの怖さだと思っています。植物の形状、異様に整いすぎた地形、人工物とも自然ともつかない造形。それらが画面に並んだ瞬間、私は毎回「これは人間の手が入ってる世界だな」と直感します。

ここで重要なのは、絵が“説明”をしないことです。島の成り立ちや正体を、最初から明かすような親切設計ではない。その代わり、違和感を積み上げていく。私はこの手法、かなり意地が悪いと思っています。でも同時に、ものすごく誠実でもある。読者を信用しているからこそ、「気づける人だけ気づいてください」という配置ができる。

極楽と地獄の反転構造も、絵によって成立しています。花が咲く＝生、という単純な図式を、賀来ゆうじは一切信用していない。むしろ、花が咲きすぎているからこそ怖い。美しさが過剰になると、それは祝福ではなく異常になる。この感覚、言葉で説明されるより、絵で見せられる方が何倍も効くんです。

私が特にゾッとしたのは、背景が“無言で見ている”ように感じる瞬間でした。キャラクターが戦っていても、苦しんでいても、島は何も言わない。ただ、そこにある。この無関心さが、世界観に圧倒的な厚みを与えている。世界は人間のために存在していない。その前提が、線と構図だけで伝わってくるんです。

結果として、『地獄楽』の舞台は「設定としての島」ではなく、「意志を持った存在」に近いものになっています。これをセリフでやると説教臭くなる。でも、賀来ゆうじは絵でやる。だから読者は、理解する前に、まず感じてしまう。この順番の巧みさが、世界観を忘れられなくしている最大の理由だと、私は思っています。

キャラクターと背景が語る“言葉にならない伏線”

『地獄楽』を読み返すたびに、「あ、ここ、最初から描いてあったんだ」と気づかされる瞬間があります。これはストーリーの伏線というより、視覚的な伏線です。キャラクターの立ち位置、背景との距離感、画面の余白。そういった要素が、後から意味を持ち始める。

例えば、キャラクターが背景に溶け込んで見えるコマ。初見では気にも留めなかった構図が、物語が進むにつれて「この人、最初からこの世界に飲み込まれかけてたんだな」と読めてくる。私はこの瞬間がたまらなく好きで、正直ちょっとニヤけてしまいます。作者に先回りされた感じがして、悔しいけど楽しい。

賀来ゆうじのイラストは、キャラクターと背景を明確に分離しません。普通の漫画なら、人物が前、背景が後ろ。でも『地獄楽』では、その境界が曖昧になることが多い。これは単なる画面構成ではなく、「この世界では、人間も自然の一部に過ぎない」というメッセージだと私は受け取っています。

ファンの感想を見ていると、「伏線がすごい」「後から効いてくる」という声が多くあります。これは事実として世間の評価ですが、私が面白いと思うのは、その伏線が必ずしも物語上のギミックとして説明されない点です。気づかなくても読める。でも、気づいた人だけが、より深く沈める。この二層構造が、読者を選ぶ代わりに、強烈な没入感を生んでいます。

キャラクターの感情も同じです。怒りや悲しみが、背景の暗さや密度として表現される場面が多い。セリフが少ない分、画面が語る情報量が増える。私は何度も「ここ、喋らせなくて正解だな」と唸りました。言葉にした瞬間、薄まってしまう感情がある。そのことを、賀来ゆうじはよく分かっている。

こうして見ると、『地獄楽』の世界観は、ストーリーだけで成立しているわけではありません。キャラクターと背景が互いに影響し合い、無言のまま情報を交換している。そのやり取りを、読者が盗み見る構造になっている。だからこそ、読み終えた後も、ふとした瞬間に画面を思い出してしまう。私はこの感覚を、「世界観に住まわされる」と呼びたい。

ファンは賀来ゆうじのイラストをどう見ているのか？世間の認識と熱量

「綺麗なのに怖い」という感想が生まれる理由

『地獄楽』について感想を探すと、かなりの確率で目に入る言葉があります。それが「綺麗なのに怖い」。これはX（旧Twitter）やレビューサイト、個人ブログまで含めて、驚くほど共通している反応です。偶然というより、ほぼ必然。この一文に、賀来ゆうじのイラストに対するファン心理が凝縮されていると、私は思っています。

なぜこの感想が生まれるのか。理由はいくつも考えられますが、私はまず「感情の置き場がない」ことが大きいと感じました。普通、綺麗な絵を見たら安心するか、癒やされるか、少なくともポジティブな感情に着地する。でも『地獄楽』のイラストは、綺麗だと感じた瞬間に、感情が宙に浮くんです。どこにも着地しない。その不安定さが、怖さとして認識される。

ファンの投稿を見ていると、「花の描写が好き」「背景が美しい」という声と同時に、「ずっと不穏」「落ち着かない」という感想が並びます。この矛盾した評価が共存しているのが、すでに異常なんですよね。でも、ここが賀来ゆうじの画風の真骨頂。美と不安を分離せず、同時に提示するから、受け手の感情が混線する。

個人的な体験談ですが、私は初めて原作を読んだとき、しばらくページを戻って同じコマを見直していました。「さっき綺麗だと思ったのに、なんで今こんなに嫌な気分なんだ？」と。これ、かなり珍しい読書体験です。普通は逆ですよね。怖いシーンを抜けたら、ホッとする。でも『地獄楽』は、ホッとさせてくれない。

世間の感想として「グロい」という評価もあります。ただ、よく読むと、血や暴力そのものより、「空気が怖い」「雰囲気が重い」という表現が多い。つまり、直接的な描写より、画面全体から漂う“何か”に反応している人が多いんです。この“何か”を言語化できないからこそ、「綺麗なのに怖い」という、少し曖昧で感覚的な言葉に収束していく。

私はこの現象を、賀来ゆうじのイラストが「感情の逃げ道を塞いでいる」からだと考えています。怖いなら怖い、綺麗なら綺麗、と単純に割り切らせない。その中間に読者を立たせて、立ちすくませる。この設計がある限り、この感想は今後も繰り返し生まれ続けるでしょう。

SNS・レビューに見る共通点とズレ、その面白さ

ファンの感想を追っていて、もうひとつ面白いと感じるのが「評価の軸がズレているのに、結論が似ている」点です。ある人は「画力が高い」と言い、ある人は「世界観が独特」と言い、また別の人は「雰囲気が唯一無二」と表現する。でも最終的には、「忘れられない」「印象に残る」という地点で合流する。

SNSでは、「アニメから入ったけど原作の絵がすごい」という声も多く見られます。これは事実として確認できる世間の反応です。アニメは色がつき、動きがあり、音楽もある。それでもなお、「原作の方が怖い」「線の圧が違う」と感じる人がいる。この逆転現象、冷静に考えるとかなり面白い。

レビューサイトでは、「好みが分かれる」という評価も頻出します。これをネガティブに取る人もいますが、私はむしろ最高の褒め言葉だと思っています。誰にでも刺さる絵は、誰の心にも深くは刺さらない。好みが分かれるということは、それだけ個人の感性に踏み込んでいる証拠です。

ズレが生まれる理由も明確で、賀来ゆうじのイラストは「どこを見るか」で印象が変わる。人体を見る人、背景を見る人、構図を見る人、表情を見る人。それぞれが違う入口から入って、違う感想を持ち帰る。でも、不思議と「また読みたい」「また見たい」という欲求だけは共通している。

私自身、最初は世界観に惹かれ、次に画力に驚き、読み返すうちに構図や余白に気づきました。そのたびに、「あ、まだ味が残ってる」と思わされる。これは消費される作品ではなく、反芻される作品の感触です。ファンの感想を追っていると、その反芻の仕方が人によって全然違うのも楽しい。

結局のところ、世間の認識やファンの感想は、賀来ゆうじのイラストを“説明”してはくれません。ただ、その輪郭をなぞってくれるだけ。でも、その断片を集めていくと、「これは一言で語れるものじゃない」という事実だけは、やけにくっきり浮かび上がってくる。その曖昧さこそが、今も語られ続ける理由なのだと、私は思っています。

アニメ化で際立った賀来ゆうじの画力と原作イラストの違い

アニメで再解釈された画面と、原作でしか味わえない線の温度

『地獄楽』がアニメ化されたとき、私の中にまず浮かんだ感情は期待よりも不安でした。正確に言うなら、「この線の温度、映像にできるのか？」という疑念です。賀来ゆうじのイラストは、ただの設計図じゃない。描いた瞬間の呼吸や迷いまで含んだ、生々しい痕跡だからです。

実際、アニメ版『地獄楽』は作画クオリティが高く、世界観の再現度も非常に高い。これは公式情報や制作陣のコメントからも明らかですし、多くの視聴者が評価しています。ただ、それでもなお、原作を読んだときに感じる“ザラッとした感触”は、完全には再現されない。これは優劣の話ではなく、媒体の性質の違いです。

アニメでは、色がつき、動きが加わり、音楽が感情を誘導する。その結果、理解しやすくなる部分が確実にあります。極楽浄土の島の美しさも、キャラクターの動きも、視覚的に一気に入ってくる。でもその分、感情の置き場所が用意されている。私はここに、少しだけ“安心”を感じてしまいました。

一方、原作イラストはどうか。モノクロの線だけで、読む側に判断を委ねてくる。ここは綺麗だと思っていいのか、怖がるべきなのか、自分で決めろ、と突き放してくる。この突き放し方が、賀来ゆうじの絵の温度です。冷たいようで、実は異様に熱い。

SNSでも「アニメは分かりやすいけど、原作の方が怖い」という声をよく見かけます。これはファンの感想として非常に正直だと思います。動きや色がない分、原作では想像力が暴走する。その暴走を止めるものが、どこにもない。だから、原作の線は読者の中で勝手に動き出す。

私はアニメを観たあと、必ず原作の該当シーンを読み返しました。そのたびに、「あ、このコマ、こんなに静かだったんだ」と気づかされる。音がないことが、ここまで不安を増幅させるのか、と。これはアニメを否定しているわけではありません。むしろ、両方あるからこそ、原作の線の温度がより鮮明になる。

映像化を経て、あらためて浮き彫りになる原作イラストの強度

面白いのは、アニメ化を経たあとに原作を読むと、印象が変わる点です。以前は「怖い」「重い」と感じていたシーンが、今度は「よくここまで抑えて描いてるな」と見えてくる。アニメで補完された情報があるからこそ、原作の引き算がより際立つ。

賀来ゆうじのイラストは、映像化によって“説明可能な絵”になったわけではありません。むしろ逆で、「説明しないことを選んだ絵」だったと気づかされる。アニメで肉付けされた分、原作の沈黙がはっきりと輪郭を持つようになる。この現象、かなり稀です。

ファンの中には、「アニメを観てから原作を読むと、別作品みたいに感じる」という人もいます。これは感想としてよく分かる。アニメは物語としての地獄楽を体験させてくれる。一方、原作は“世界そのもの”を覗かせてくる。その違いが、読み味の差として現れる。

特に顕著なのが、キャラクターの表情です。アニメでは声優の演技が感情を補強する。でも原作では、目線ひとつ、口角ひとつで全てを察しなければならない。この不親切さが、逆にキャラクターを生き物として感じさせる。私はこの距離感が、とても好きです。

結果として、アニメ化は賀来ゆうじのイラストを“薄める”どころか、むしろ強度を証明する役割を果たしました。映像という分かりやすい表現と並べられても、なお印象に残る線。それは偶然ではありません。最初から、映像に頼らない覚悟で描かれていたからです。

もし『地獄楽』をアニメだけで終えている人がいたら、私はそっと言いたい。原作の絵は、まだ別の顔をしている、と。動かないからこそ、こちらに入り込んでくる。音がないからこそ、頭の中で鳴り続ける。その体験は、映像を知ったあとだからこそ、より深く刺さるのです。

地獄楽のイラストはなぜ“原作で読む価値”を手放さないのか

カラーではなくモノクロだからこそ成立する恐怖と美

『地獄楽』のイラストについて、「もしフルカラーだったらどう見えるだろう」と考えたことがあります。結論から言うと、たぶんここまで怖くならない。これは私の感覚ですが、かなり確信に近い。賀来ゆうじの絵は、色がないからこそ、こちらの脳内で色が暴れ出す構造になっているんです。

モノクロという制限は、情報量を減らすどころか、逆に想像の余地を増やします。血の色、花の色、空気の色。それらが明示されない分、読者それぞれの経験や記憶が勝手に補完する。私はここに、原作イラストの最大の強みがあると思っています。色を与えないことで、感情の主導権を読者に渡している。

特に『地獄楽』の場合、この効果が異様なほど強い。花は白なのか、赤なのか、毒々しい色なのか。ページをめくるたびに、脳内で違う色が浮かぶ。この不安定さが、そのまま恐怖に直結する。もし公式に色が決められていたら、ここまで揺さぶられなかったはずです。

モノクロの陰影の使い方も特筆すべき点です。影がただの影じゃない。感情の溜まり場として配置されている。暗い部分を見ると、「ここには何かある」と感じてしまう。実際に何かが描かれていなくても、もう十分に怖い。これは、線と余白のバランスを熟知していないとできない芸当です。

世間の感想でも、「白黒なのに情報量が多い」という声をよく見かけます。これ、かなり鋭い指摘だと思います。描き込んでいるから情報量が多いのではなく、想像させる設計だから情報が増えていく。その仕組みが、原作イラストの中に埋め込まれている。

私は原作を読み返すたびに、「ここ、前はこんなふうに見えなかったな」と思うことがあります。そのたびに、絵が変わったわけじゃない、自分の受け取り方が変わっただけだと気づく。この“何度でも表情を変える絵”こそ、モノクロで描かれた地獄楽の本質だと思っています。

ページをめくる行為そのものが体験になる理由

原作『地獄楽』を読んでいて、強く意識させられるのが「ページをめくる」という行為です。次のページに何があるか分からない。この当たり前の感覚が、ここまで重く感じる作品はそう多くありません。私は何度も、指を止めました。

なぜか。理由は単純で、賀来ゆうじのイラストは「めくった先にあるもの」を信用させないからです。普通の漫画なら、展開をある程度予測できる。でも『地獄楽』は、予測が当たらない。いや、当たるときもあるけれど、その“当たり方”が嫌な当たり方をする。

構図の切り方も巧妙です。大ゴマの次に、静かな小さなコマが続く。その沈黙が、次の衝撃を増幅させる。私はこのリズムが本当に好きで、「あ、ここで一度息を吸わせるんだな」と分かっていても、毎回ちゃんと引っかかってしまう。

アニメでは、再生ボタンを押せば時間が進みます。でも原作では、読むスピードも、止まるタイミングも、全部自分次第。その自由さが、逆に残酷なんです。自分で選んで、怖いものを見に行っている感覚になる。この主体性が、体験としての強度を生む。

ファンの中には、「一気読みできない」という人もいます。これはネガティブな意味ではなく、むしろ正しい反応だと思います。感情の消費が追いつかない。ページをめくるごとに、感情が積み上がっていく。だから、一度閉じて、間を置く。その間にも、絵が頭から離れない。

結局のところ、『地獄楽』の原作イラストは、読むものではなく“体験するもの”なんだと思います。線を見る、余白を読む、ページをめくる。その一つ一つが、物語の一部になっている。だから私は、何度でも原作に戻ってしまう。そこには、アニメでは代替できない、紙と線だけの地獄が確かにあるからです。

本記事の執筆にあたっては、作品内容・作者情報・アニメ化情報について、公式サイトおよび信頼性の高い大手メディアの記事を参照しています。事実関係は一次・公式情報を最優先とし、SNSや個人ブログ等の感想・考察は「世間の認識」「ファン心理」として区別したうえで構成しています。
少年ジャンプ＋（地獄楽 作品ページ）
TVアニメ『地獄楽』公式サイト
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これらの情報をもとに、作者・賀来ゆうじ氏の画風や世界観については筆者自身の読書体験・視聴体験に基づく考察として記述しています。