光が死んだ夏 藤本タツキ作品に似てる？共通点・作風・演出を比較検証

あの“心の奥をえぐるような読後感”──『光が死んだ夏』を読んで、ふと脳裏をよぎったのは、藤本タツキ作品の匂いでした。

閉鎖空間で芽吹く少年同士の歪な感情、ユーモアと恐怖が共存する空気、そして一度見たら忘れられない“ナニカ”の演出。SNSでも「タツキ味ある」とささやかれるこの作品、果たして本当に似ているのでしょうか？

この記事では、『光が死んだ夏』と藤本タツキ作品──とくに『チェンソーマン』『さよなら絵梨』『ルックバック』など──の共通点と相違点を徹底的に比較検証していきます。

物語の構造、演出技法、キャラの感情線、その奥にある“作家性”の熱まで掘り下げることで、読後のモヤモヤを言語化し、「なんで似てると感じたのか？」の答えにたどり着く一助になればと思います。

『光が死んだ夏』とは？ジャンル・世界観・作風を総ざらい

山村ホラーと微BL──閉鎖空間に芽生える“歪な愛”

『光が死んだ夏』は、2021年からWeb連載されているMokumokuren氏による青春ホラー漫画で、「このマンガがすごい！2023」オトコ編第1位を受賞したことで一気に注目が高まりました。舞台は鬱蒼とした山村。その閉鎖された空間の中で、“死んだはずの幼馴染”が帰ってくる──という、まるで怪談めいた導入から始まります。

ジャンルとしてはホラー・サスペンスに分類されつつ、物語全体に流れるのは“恐怖”というよりむしろ“異物と隣り合う日常”の不安と、そこに滲む“恋情とも執着とも言えない感情”。この揺らぎのある感情の描写が、“BL未満の距離感”として話題を呼んでいます。

読者の多くが語るのは、「ゾクッとする怖さと、胸の奥がじわっと熱くなる感じが交互に襲ってくる」という読後感。ホラーなのに恋愛のようでもあり、青春なのに背筋が冷えるようでもある。この感覚、どこか既視感があるとすれば──そう、『チェンソーマン』など藤本タツキ作品の“愛と死”が隣り合うあの感覚に似ています。

そして本作の特異点は、“恐怖と感情が裏表になっている”こと。異形の「ナニカ」に怯える構図ではなく、むしろ読者自身が「こっちにいてほしい」と思ってしまう。そんな感情の危うさが、静かに、でも確実に読者の心を侵食してくるのです。

村という空間が「出られない場所」であることもまた、恐怖の構造を強化しています。外界との断絶がキャラクターの選択肢を制限し、その中で芽吹く感情は、どこか“異常であること”を前提として許容されていく。こうした空間演出と心の密室感の重なりが、まさに本作の中核といえます。

擬音を排した映像的演出──静と緊張の使い分け

『光が死んだ夏』の演出面でもっとも際立つのは、作中に“擬音がほとんど登場しない”という点です。物音や叫びの音すら描かず、キャラクターの表情と行動だけで恐怖や葛藤を伝えるスタイルは、まるでサイレント映画のよう。

たとえば誰かが背後に立っている──そんな場面でも「ドンッ」とか「ギィィ」といった効果音はなく、ただ“佇んでいる”だけ。だからこそ、その静けさがリアルに感じられ、読者の五感を逆撫でするような緊張感が生まれるんです。

この「音を使わずに空気を描く」技法は、映像的とも言われており、むしろアニメ化されたらどうなるのか？と期待が高まる一因にもなっています。そしてこの表現スタイルこそが、タツキ作品──特に『ルックバック』に通じる“静の演出”の文法と重なって見える瞬間でもあります。

加えて、モノローグも極端に少ない。キャラクターが自分の感情を語らず、行動や視線、ちょっとした手の動きで内面を表すこの手法は、読者に「察すること」を強く要求してきます。だからこそ、1コマごとの読み取り密度が濃くなる。これはもはや“読む”というより、“向き合う”という感覚に近いかもしれません。

特に、光（？）と吉樹のやり取りの中で、一線を越えそうで越えない──その“溜め”の作り方が絶妙。描かれていないのに、読者は息を呑み、鼓動が速くなる。そんな“描かない演出”の妙が、本作の最大の武器なのです。

藤本タツキ作品の特徴とは？『チェンソーマン』との比較軸

衝動と死の疾走感──“笑いと狂気”の境界線

藤本タツキ作品、とくに『チェンソーマン』を語るうえで外せないのが、“衝動の爆発”です。デンジというキャラクターが象徴するように、「食う・寝る・抱く」といった原始的な欲求を原動力にしてストーリーが突き進んでいく。そしてそこにあるのは、死がいつでも隣にある世界観。生きることと死ぬことが、目まぐるしく交錯するジェットコースターのような物語です。

そしてこの“死の疾走感”が、ある意味で読者を麻痺させていく感覚がある。キャラクターが死んでもどこか軽妙に処理されるテンポ感、だけど時折見せる“本気の別れ”では一転して喉を締めつけられるような喪失感を突きつけられる──このギャップこそがタツキ作品特有の“狂気とユーモア”の境界線を生み出しています。

さらに特徴的なのが、ギャグとグロが同居している構造。死の瞬間ですらどこか笑えてしまうような演出や、グロテスクなのにどこか感動的な画面の構成。たとえばパワーの死や、マキマとの決着に至る一連の流れなど、“感情の脳内バグ”を起こすような演出がこれでもかと並ぶわけです。

こうした“加速し続ける死と愛のパレード”の中に、読者自身の倫理や感情が引きずり出される。自分でも気づいていなかった「生と死に対する距離感」が炙り出される感覚があって、読み終わった後に妙な空虚感が残る。それが藤本タツキという作家の“手触り”だと思っています。

『光が死んだ夏』とは方向性こそ違えど、この“死を通して愛や関係性を照らし出す”という構造には、ある種の共振を感じます。

キャラの感情構造と“心の死に方”の描き方

藤本タツキ作品で強く印象に残るのは、キャラクターが「精神的に壊れる」瞬間の描写です。肉体の死と同じくらい──いや、それ以上に“心が死ぬこと”に重みを置いて描かれている。その象徴が『ルックバック』の藤野であり、『さよなら絵梨』の悠木くんでもあります。

とくに『ルックバック』では、才能や喪失、他者とのすれ違いによって崩れていく「精神の構造」が、静かで丁寧なコマ運びの中に描かれていて、読者の感情にスッと入り込んできます。その繊細な表現力が、“うるさくないのに心を刺す”という独特な読後感につながっているわけです。

また、タツキ作品のキャラたちは、感情の表出が極端であることもしばしばあります。号泣したり、暴れたり、突飛な行動に走ったりすることで、読者に「情緒のズレ」を突きつけてくる。そこには“理解できないままでもいい”という作者の姿勢すら感じられて、その不完全さがリアルさに転化されているのがすごいんです。

『光が死んだ夏』のキャラクターたちは、逆に“語らないことで語る”というスタンスを取ります。吉樹の心情描写にしても、「何を思っているのか分からない」「けれど確実に変化している」というじれったさが常に張りついていて、それがまた読む側に“翻訳”を求めてくるんですね。

この違いはあるものの、どちらも“感情のわかりやすさ”を放棄している点では共通しています。読者に問いかけ、委ねる物語の姿勢。それこそが、藤本タツキ作品と『光が死んだ夏』に通底する大きな構造的共通点と言えるのではないでしょうか。

『光が死んだ夏』とタツキ作品に感じる共通点5選

① 予測不能な展開構造と“死の気配”の扱い方

『光が死んだ夏』を読んでいて最初に感じる“タツキっぽさ”は、物語の展開がまったく読めないということ。誰が味方で、誰が敵で、何が真実なのか──その地盤がどんどん揺らいでいく構造は、『チェンソーマン』の“裏切りと暴走”に通じるダイナミズムがあります。

特に共通しているのが“死の気配”の使い方。どちらの作品でも、死は遠くの現象ではなく、すぐそこに“いる”ものとして描かれます。『光が死んだ夏』では、光の死がすでに冒頭で確定しているのに、「じゃあ今そばにいるこれは何なのか？」という違和感が付きまとう。藤本タツキ作品もまた、「このキャラ、死ぬんじゃないか？」という不穏さが常に張りついていて、油断ができない。

読者は常に“先を読もうとしては裏切られる”という繰り返しの中で、「次に何が起こるのか知りたい」という強い引力に引き込まれていく。この“予測不能性”が、両者の物語構造を貫く最大の共通点のひとつです。

そして重要なのは、“誰が死ぬか”よりも“その死が何を意味するか”を描いていること。たとえば『チェンソーマン』の姫野の死は、あっけなさの中に強烈な意味を残したように、『光が死んだ夏』でも“本当に死んだのは誰か”“何が取り残されたのか”という問いが、静かに物語を支配している。

こうしてみると、スピード感こそ異なるものの、死というモチーフの扱い方──その空気感の醸し方──には、明らかな共鳴があるのです。

② 言葉にしない感情表現──“沈黙”が語るもの

『光が死んだ夏』に強く漂うのは、“語られない感情”の存在です。吉樹は、光の死や“代わりのナニカ”との関係性について、誰にも明確に気持ちを言葉にすることがありません。それでも読者はわかってしまう。「この子は今、揺れている」「踏み込もうとしている」「でも怖い」。そういった感情が、セリフではなく表情や間、静かなコマ運びから伝わってくるのです。

これはまさに、藤本タツキ作品──とくに『ルックバック』や『さよなら絵梨』で繰り返される、“沈黙の語り”の演出と酷似しています。キャラの心の動きを、あえて言語化しないことで、読者の内面で共鳴を起こさせる技法。その分、読者はコマを一つひとつ丁寧に読み込むことになり、物語世界に深く沈んでいく。

この“沈黙が語る”という構造は、作品に高密度な情感を与えるだけでなく、読者に“翻訳者”としての能動的な読解を求めます。つまり、読むという行為そのものがキャラクターとの対話になっている。その体験が、記憶に強く残るのです。

また、『光が死んだ夏』の光（のような存在）が投げかける視線や仕草には、恐怖と親愛が同居しています。それが言葉にならないまま物語を進めるので、読者は「怖い」「でも好き」「逃げたい」「でも離れたくない」という複雑な感情に巻き込まれていく。その“相反する感情の共存”こそが、まさにタツキ作品と共鳴するポイントでもあるんです。

“わかりやすさ”よりも“感じさせる力”を重視したこの語り口が、両作家の最大の武器であり、“似ている”と感じる読者の直感の裏付けなのだと思います。

作家性の違い──モクモクれんと藤本タツキの「視線」

“何を見ているか”ではなく、“どこから見ているか”

『光が死んだ夏』と藤本タツキ作品を比較するとき、作品の“演出”や“テーマ”以上に注目したいのが、作家としての“視線”の違いです。ここでいう視線とは、単に「何を描いているか」ではなく、「どこから世界を見つめているか」。この“観察の立ち位置”が、両者の物語の本質を分けています。

モクモクれん氏の描く『光が死んだ夏』は、あくまで“被写体に寄り添う”物語です。吉樹と光（らしき存在）の関係性を、内面の揺らぎや感情の行き来とともに、極めてミクロな目線で描いていく。その結果、読者もまた、彼らと同じ“視界の高さ”で物語を体験することになります。まるで隣に座って一緒に山を見ているような、そんな距離感。

一方、藤本タツキ氏の作品は、“俯瞰と没入の往復”が特徴的です。読者に対してはあえて突き放すような描写を挟みつつ、ときにキャラクターと同化させ、また突き放す。その視線の動きが、物語全体にテンポと緊張感をもたらしている。だからこそ、笑った直後に泣かされる、絶望の中で愛を感じる──といった感情の振れ幅が極端になるんですね。

これは比喩的に言えば、『光が死んだ夏』は“息をひそめて覗く物語”であり、タツキ作品は“手を引かれて巻き込まれる物語”。どちらも没入感は強いけれど、その性質はまったく異なります。

また、視線の方向性にも違いがあります。モクモクれん氏は“関係の内側”を見つめる作家。登場人物同士のあいまいな絆、ぶつかり合わない愛情の形を、どこまでも掘り下げて描きます。それに対して藤本タツキ氏は、“社会や世界といった外側”を意識しながら、そこに立つキャラたちの不安定さを浮かび上がらせる作風。

このように、似たような演出や感情のテーマを扱っていながら、根本の“見る角度”が違う。それが作品全体の空気感の違いにもつながっているのです。

タツキが描く“世界の崩壊”、モクモクれんが描く“関係の崩壊”

藤本タツキ作品では、“世界そのものが崩れていく”ことが主軸にあります。たとえば『チェンソーマン』では、世界の構造が壊れるたびに主人公たちの価値観も揺さぶられ、再構築を迫られます。『さよなら絵梨』でも、現実と虚構の境界が曖昧になる中で、主人公が“何を信じて生きるか”という選択を迫られます。

一方で『光が死んだ夏』が描いているのは、あくまで“関係性の崩壊”です。村という閉ざされた世界は動かず、むしろ不変であるがゆえに、登場人物たちの心の中だけが壊れていく。光の死と、その後に現れた“ナニカ”との日々は、吉樹の内側の地盤を少しずつ崩していくプロセスそのものなんです。

そしてその崩壊は、爆発的なものではありません。日常の延長線上で、ちょっとした違和感が積み重なっていく。読者もまた、気づいたときには後戻りできない深みに引き込まれている。この“ゆっくりと沈む感覚”が、モクモクれん作品の大きな魅力です。

また、タツキ作品の崩壊には「爆発的な再生」が伴うことが多いのに対し、『光が死んだ夏』には“再生”という救いの約束がありません。ただそこにあるのは、「戻らないもの」とどう向き合うか、という問い。ある意味でよりリアルで、残酷で、それゆえに切実です。

この「何が壊れるか」「何を描くか」という違いは、物語全体の手触りに大きな影響を与えています。そしてこの違いこそが、“似てるけど同じじゃない”という読後感の答えなのかもしれません。

“似てる”と言いたくなる理由と、その先にある違和感

読み手の感性を刺激する“読後のざらつき”の正体

『光が死んだ夏』と藤本タツキ作品を比べて、「なんとなく似てる」と思ったことがある人、多いのではないでしょうか。実際、SNSでも「タツキ味がある」「チェンソーマンっぽい空気感」といった声が散見されます。ではその“似てる”という直感、いったい何がそう感じさせているのでしょうか。

私自身が読み比べて強く感じたのは、読後に残る“ざらつき”のような感覚です。物語が終わったあとに、「スッキリしない」「でも目が離せない」「あの感情はなんだったんだろう」と、答えが出ないまま心に引っかかる感情。これって、物語の終わり方だけでなく、“キャラクターの感情が未解決のまま残される”構造に起因していると思うんです。

『チェンソーマン』では、デンジの選択がいつも「最善」とは言えないものばかりで、読者はそれを肯定すべきか否かで揺れ動きます。『光が死んだ夏』でも、吉樹の選択は常に曖昧で、はっきりとした答えが出ることはありません。その「感情の余白」が、読者の思考を刺激し続ける。つまり、“決着がつかない”ことが両作品の読後感を似せているわけです。

そしてもう一つ大きいのが、恐怖と愛情、笑いと喪失といった、一見相容れない感情が同居していること。どちらの作品も“ジャンルでは括れない”読後感を持っていて、それこそが“何っぽい”と例えるしかない、感性への刺さり方になっているんですね。

この“感情の混合物”が、読者に「似てる気がする」と思わせる最大の要因だと思います。感覚的な部分だからこそ、説明しづらい。でも、その言語化しきれないもどかしさこそが、作品の魅力の根源なんです。

「好きな読者が重なる」ことと「作風が似ている」ことの違い

ここで改めて考えたいのが、“似てる”という感覚と、“作風が似ている”という事実の違いです。正直に言えば、『光が死んだ夏』と藤本タツキ作品は、“ジャンルも構造も演出技法も、細かく見るとかなり違う”作品です。前者は“静かに蝕まれていく感情”をじっくり描く作品で、後者は“破壊と再生の応酬”をテンポよく駆け抜ける物語。

でも、なぜか好きな読者層が重なる。そこにはやはり、“感情に翻弄されたい”“言葉にならない余韻を抱きたい”という共通の嗜好があると思います。つまり、作品の構造が似ているのではなく、“届けようとしている体験”が近いんです。

たとえば、読者が抱く「怖いのに愛おしい」「壊れてるけど守りたくなる」「明るいのに泣きそう」という感情。それって、物語の起承転結とは別次元の、“情緒のグラデーション”に対する嗜好ですよね。その感性の共鳴こそが、「この作品、あの作品っぽい」と感じさせる要因なのだと思います。

加えて、“ジャンルを超えて刺さる”という共通性もあります。ホラーを普段読まない人が『光が死んだ夏』にはハマる。バトル漫画に興味がない人が『チェンソーマン』には惹かれる。こうした“ジャンル超越型の吸引力”を持つ作品は、根本にある“感情の圧”が強いからこそ、壁を飛び越えてくるのです。

だからこそ、似ているようで似ていない。似ていないのに似ている。そんな矛盾すら飲み込んで、読者の中に“確かに残る何か”を届けてくる。──それが『光が死んだ夏』と藤本タツキ作品、ふたつの物語の「感性が交わる点」なのではないでしょうか。

光が死んだ夏とタツキ作品比較まとめ

ジャンルも演出も異なるけれど、“熱”が重なる

ここまで『光が死んだ夏』と藤本タツキ作品を、ジャンル・演出・テーマ・感情表現といった視点から徹底的に比較してきました。結果として見えてきたのは、「表面的には異なる作風が、根っこの熱でつながっている」という事実です。

『光が死んだ夏』は、ホラーという枠を超えて“関係性の不安”を描く作品。一方、藤本タツキ作品は、死と暴力の奔流の中に“愛や喪失”を刻み込む表現が特徴的です。ジャンルの切り口も、描写のスピード感もまるで違います。

でも、読者の心に“爪痕を残す”という点では、共通している。むしろこの“読者の内面をえぐる力”こそが、似ていると感じさせる最大の要因です。そしてそれは、どちらの作家も「読者の心の暗部に手を伸ばそうとしている」からこそ生まれる共鳴でもあります。

また、読者側にも“似たような何かを求めている”という姿勢がある。感情に翻弄されたい、言語化できない感覚に浸りたい、そういう“欲望の触覚”を持った読者たちが、このふたつの作品を無意識に繋げているんです。

作品の構造ではなく、作品が引き起こす感情でつながる。この構造の外にある“読書体験そのもの”が、二つの作家の境界線を一瞬溶かして見せるのだと思います。

“似ている”から入って、“違い”に気づく楽しさ

最初は「藤本タツキっぽいな」で読み始めた『光が死んだ夏』。でも読み進めるうちに、その静かさ、余白の美しさ、不穏と愛情の緩やかな混在に、「これは全然違う世界だ」と気づかされる。──それこそが、この作品を読む醍醐味ではないでしょうか。

似ていると感じたからこそ、違いが際立つ。違いに気づいたからこそ、似ている点の深さも見えてくる。その繰り返しの中で、読者の中に「比較ではなく、両方を愛する気持ち」が芽生えていく。このプロセス自体が、とても豊かな読書体験なんです。

そして何よりも嬉しいのは、“好きの感性”が広がること。「光が死んだ夏を読んだら、タツキ作品も刺さった」「チェンソーマンを読んでいたら、この作品が沁みた」──そういう“感性の連鎖”が、作品をもっと面白くしてくれる。

だからこそ、比べることに意味がある。そして違いを楽しむことが、作品への理解を深める最短ルートでもあるのです。

最後に──“似ている”という直感は間違っていない。でもその直感をきっかけに、“どう違うか”を掘り下げていくと、作品の輪郭がもっと鮮明になって見えてくる。その一歩先の読書体験を、ぜひ味わってほしいと願っています。